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Las Indias galantes en Burdeos (2) Turquía

La primera entrada de Las Indias galantes tiene lugar en algún lugar de la costa de Turquía. Emilie es prisionera del rico Osman, quien se ha enamorado de ella. Sin embargo, esta se mantiene fiel a su amado Valere, de la que fue separada por sus raptores. Una tempestad se desata y provoca el naufragio de un barco. Entre los sobrevivientes, que se convierten en cautivos del turco, aparece Valere. Los amantes se reconocen, pero su alegría es corta, pues el tirano se ha percatado de su diálogo. Mas en lugar de castigarlos, Osman devuelve a Emilie su libertad y se la entrega al hombre que ella ama, junto con una flota de barcos, cargados de regalos, para que regresen a su patria. Como inmediatamente revela, él fue hace años esclavo de Valere y así quiere repetir la magnanimidad de su antiguo señor. Los amantes parten celebrando la generosidad del turco.

En la Turquía de Scozzi, a la que llegan los ayudantes de Amor, Osman es un gánster que se baña en el mar, mientras su guardaespaldas vigila la playa. Los náufragos son emigrantes que se dirigen a Europa y que son salvados de las aguas por los asistentes de Amor. Entretanto Emilie y Valere se reencuentran, Osman y su guardaespaldas cobran a los sobrevivientes por los pasaportes europeos que después les entregarán. A pesar de esto, se mantiene la generosidad del turco con Valere y Emilie y, además, entrega balsas y bebidas a los náufragos para que puedan continuar su odisea hasta Europa. Los ayudantes de Amor se encargan de guiarlos a Grecia, pero Emilie decide quedarse con su antiguo captor, del que se ha enamorado y cuya pistola lanza de inmediato al mar. Junto con su guardaespaldas, la nueva pareja se prepara a asistir, desde ahora gratuitamente, al siguiente grupo de emigrantes. Así, Amor convierte al gánster en el faro de estos desposeídos.

Los ayudantes de Amor llegan a Turquía

Los ayudantes de Amor llegan a Turquía

Osman junto a Emilie

Osman junto a Emilie

La playa de Osman

En la playa de Osman

Osman, su guardaespaldas y Emilie

En la playa de Osman

La tormenta se desata

La tormenta se desata

Los ayudantes de Amor rescatando a los náufragos

Los ayudantes de Amor rescatando a los náufragos

Emilia reconoce a Valere

Emilie reconoce a Valere entre los sobrevivientes

Osman cobrando a los sobrevivientes

No muy lejos de los amantes, Osman cobra a los emigrantes

Osman entregando su pasaporte a Emilie

Osman entrega su pasaporte y su libertad a Emilie

El guardaespaldas repartiendo bebidas a los emigrantes

El guardaespaldas reparte bebidas a los emigrantes

Emilie ganada por la generosidad de Osman

Emilie ganada por la generosidad de Osman

Los asistente de Amor guían las naves

Los asistentes de Amor guían las naves a Grecia

Poniéndose de acuerdo sobre dónde queda Grecia

Poniéndose de acuerdo sobre dónde queda Grecia

Despidiendo a Emilie y Valere

Despidiendo a Emilie y Valere

Celebrando su primera aventura

Celebrando su primera aventura

Asombrados, de nuevo, ante la reaparición de Emilie

Asombrados, de nuevo, ante la reaparición de Emilie

Emilie desarmando a Osman

Y a su guardaespaldas

Y también a su guardaespaldas

Emilie, con los pasaportes listos, para recibir a los nuevos emigrantes

Con los pasaportes listos, reciben a los siguientes emigrantes

Despidiendo a su primer grupo de inmigrantes

Despidiéndolos, mientras los ayudantes de Amor viajan a su siguiente destino

Der erste Einsatz von Les Indes Galantes findet irgendwo an der Küste der Türkei statt. Emilie ist eine Gefangene des reichen Osman, der sich in sie verliebt hat. Jedoch bleibt sie ihrem geliebten Valere treu, von dem sie durch ihren Entführer getrennt wurde. Ein Sturm entfesselt sich und verursacht einen Schiffbruch. Zwischen den Überlebenden, die Gefangene des Türken werden, erscheint Valere. Das Liebespaar erkennt sich, aber ihre Freude ist kurz, weil der Tyrann ihren Dialog bemerkt hat. Statt sie zu bestrafen, lässt Osman Emilie frei und gibt sie dem Mann, den sie liebt, zusammen mit einer Flotte voll mit Geschenken, um in ihre Heimat zurückzufahren. Sofort gibt Osman preis, dass er vor Jahren Sklave von Valere war und will so die Großzügigkeit seines ehemaligen Herrn imitieren. Die Liebenden fahren ab, während sie den Edelmut des Türken feiern.

In der Türkei von Scozzi, in der die Helfer der Liebe angekommen sind, ist Osman ein Gangster, der im Meer badet, während sein Bodyguard den Strand überwacht. Die Schiffsbrüchigen sind Auswanderer, die nach Europa fahren und die von den Helfern der Liebe aus dem Wasser gerettet werden. Inzwischen treffen sich Emilie und Valere wieder und Osman und sein Bodyguard berechnen den Überlebenden Geld für die europäischen Pässe, die sie ihnen später geben. Trotzdem bleibt der Edelmut des Türken mit Valere und Emilie und außerdem gibt er den Schiffsbrüchigen Schlauchboote und Getränke, um ihre Odyssee nach Europa fortsetzen zu können. Die Helfer der Liebe übernehmen es, sie nach Griechenland zu leiten, aber Emilie entscheidet sich bei ihrem ehemaligen Entführer zu bleiben, in den sie sich verliebet hat und dessen Pistole sie in sofort das Meer wirft. Zusammen mit seinem Bodyguard bereitet sich das neue Paar darauf vor, von jetzt an kostenlos der nächsten Gruppe der Auswanderer beizustehen. Auf diese Weise wird der Gangster von der Liebe in einen Leuchtturm für diese Armen verwandelt.

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Las Indias galantes en Burdeos (1) Prólogo

Las Indias galantes es una ópera-ballet francesa de Jean-Philippe Rameau, que se estrenó en 1735 en París. Trata sobre las aventuras de Amor en las Indias, como se llama a cuatro exóticos lugares: Turquía, Perú, Persia y Norteamérica. Hace poco la Ópera Nacional de Burdeos la representó bajo la dirección musical de Christophe Rousset y la escénica de Laura Scozzi.

En el prólogo, jóvenes de las distintas naciones europeas, que al principio bailaban al ritmo de la melodía de Hebe, son arrastrados a la guerra por la belicosa Bellone, por lo que Hebe y Amor, abandonados, emigran hacia las Indias. En la puesta de Scozzi los europeos son convertidos en los desnudos habitantes del Edén y Bellone en un militar que dirige un desfile compuesto por el Papa, cardenales, generales, soldados, políticos (uno se parece a Mao Zedong), futbolistas, hombres de negocios, famosos y ricos. Casi todos llevan y consumen comida rápida, cuyos restos arrojan al piso. Antes de irse, entregan a los desnudos moradores diferentes elementos de la civilización (un maletín, un casco, una motosierra, un arma y ropa). Aunque sus mujeres intentan retenerlos, los hombres abandonan de inmediato el Edén. Más tarde, no Amor sino sus tres ayudantes se preparan para tomar un avión a las Indias, pero en los controles del aeropuerto son retenidas sus flechas.

Los habitantes del Edén abrazando a Hebe

Los habitantes del Edén abrazando a Hebe

La llegada de Belona y su séquito

La llegada de Bellone

Bellone y su séquito

Bellone y su séquito

Bellone y su séquito

Bellone y su séquito

Los hombres del Edén y la civilización

Los hombres del Edén y la civilización

Las mujeres intentan retenerlos

Las mujeres intentan retenerlos

Amor y sus ayudantes

Amor y sus ayudantes

LOs ayudantes de Amor se preparan para el viaje

Los ayudantes de Amor se preparan para el viaje

Los ayudantes de Amor se preparan para el viaje

Los ayudantes de Amor se preparan para el viaje

Las flechas de Amor son retenidas

Las flechas de Amor son retenidas

Les Indes Galantes ist eine französische Balletoper von Jean-Philippe Rameau, die 1735 in Paris zum ersten Mal aufgeführt wurde. Diese Oper handelt von den Abenteuern der Liebe in den Indien, wie vier exotischen Orten genannt werden: die Türkei, Peru, Persien und Nordamerika. Vor kurzem wurde sie von der Nationaloper Bordeaux unter der musikalischen Leitung von Christophe Rousset und mit der Inszenierung von Laura Scozzi aufgeführt.

Im Vorwort werden die Jungen aus verschiedenen europäischen Nationen, die am Anfang im Rhythmus der Melodie von Hebe getanzt haben, von der kriegerischen Bellone zum Krieg eingezogen, deshalb emigrieren die verlassene Hebe und Liebe in die Indien. In der Inszenierung von Scozzi werden die Europäer die nackten Einwohner Edens und Bellone ein Militär, der eine Parade bestehend aus dem Papst, Kardinälen, einem General, Soldaten, Politikern (einer sieht wie Mao Zedong aus), Fußballspielern, Businessmännern, Prominenten und Reichen leitet. Fast alle tragen und essen Fastfood, deren Reste sie auf den Boden werfen. Bevor sie losgehen, geben sie den nackten Einheimischen unterschiedliche Elemente der Zivilisation (einen Koffer, einen Schutzhelm, eine Motorsäge, eine Schusswaffe und Kleider). Auch wenn ihre Frauen versuchen, sie bei sich zu behalten, verlassen die Männer sofort Eden. Später bereitet sich nicht Liebe vor,  sondern ihre drei Helfer, um mit einem Flugzeug nach den Indien zu reisen, aber in der Kontrolle am Flughafen werden die Pfeile von Liebe nicht durchgelassen.

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Das Leben ist ein Traum

Das Leben ist ein Traum von Pedro Calderón de la Barca ist ein spanisches Theaterstück. Sein Autor hat während des 17. Jahrhunderts gelebt. Diese Zeit war das Goldene Zeitalter der spanischen Literatur.

Die Handlung spielt in Polen in einer unbestimmter Zeit. Der König Basilio ist Astrologe und er liest in den Sternen, dass sein Sohn Segismundo die Königin ermorden und seinen Vater dazu verpflichten wird, dass er vor ihm auf die Knie fällt, damit Segismundo seinen Kopf treten kann. Deshalb befiehlt der König, dass sein Sohn als Kind im Geheimen im Turmgefängnis lebt. So wächst Segismundo auf, bis Rosaura zufällig sein Gefängnis findet. Sie kommt nach Polen, um Astolfo zu suchen. Er ist ein moskauischer Prinz, der sie entehrt hat. Dann entscheidet Basilio, seinen Sohn auf die Probe zu stellen, und der betäubte Segismundo wird zum Hof getragen. Aber er verhält sich wie ein Tyrann, da er einen Mann aus dem Fenster wirft und versucht, Rosaura zu vergewaltigen. Deshalb wird er wieder betäubt und ins Turmgefängnis getragen. Am Ende befreit eine Rebellion den Prinzen aus dem Turmgefängnis und Basilio kniet vor seinem Sohn nieder. Aber Segismundo tritt ihn nicht. Er hat gelernt, dass das Leben wie ein Traum ist. Das heißt, die materiellen Dinge sind flüchtig und nur gutes Handeln ist von Dauer. Deswegen befiehlt er, dass Astolfo Rosaura heiratet und der Soldat, der die Rebellion organisiert hat, ins Turmgefängnis geht. Auch wenn er Segismundo befreit hat, können nur die adligen Menschen, wie Segismundo, die Macht haben und verändern.

Ich persönlich mag Das Leben ist ein Traum, weil ich zwei wichtige Aussagen in ihm finde. Das Leben ist kurz, wie ein Traum, deshalb müssen wir das Gute suchen, aber zu glauben, dass jede Person Macht haben kann, wie der Soldat geglaubt hat, ist nur eine Illusion:

Ich träume, dass ich hier
in schweren Ketten liege
und habe geträumt, dass ich in einem anderen
angenehmeren Zustand mich gesehen habe.

Was ist das Leben? Eine Raserei.
Was ist das Leben? Eine Illusion.
Ein Schatten, eine Fiktion,
und das größte Gut ist klein,
da das ganze Leben ein Traum ist,
und die Träume Träume sind.

Das Leben ist ein Traum

Das Leben ist ein Traum in Stuttgart (2013)

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Il Postino, ópera en español de Daniel Catán

"Cala di Sotto, orgullo de Italia, madre, patria, rica, prodigiosa..."

«Cala di Sotto, orgullo de Italia, madre, patria, rica, prodigiosa…»

Il Postino es una ópera en español de Daniel Catán. Este compositor mexicano consiguió representar con éxito sus óperas en los Estados Unidos: La hija de Rappaccini (1983, pero estrenada en 1994 en Estados Unidos), Florencia en el Amazonas (1996, encargada por la Ópera de Houston) y Salsipuedes (2004). Catán murió en abril de 2011, cuando trabajaba en la ópera Meet John Doe, basada en la película homónima de Frank Capra.

La novela Ardiente paciencia del chileno Antonio Skármeta y, sobre todo, la película italiana Il Postino, basada en dicha novela, son la base de la ópera de Catán. En una pequeña isla italiana Mario Ruoppolo trabaja como cartero de Pablo Neruda, quien vive exiliado ahí junto con su esposa Matilde. Entre ambos hombres surge una amistad. Al mismo tiempo, Mario conoce a Beatrice Russo y, para enamorarla, empieza a escribirle poemas. El día de su boda llega la noticia de que permiten a Neruda regresar a Chile. El tiempo transcurre, y Beatrice y su madre Donna Rosa creen que Neruda los ha olvidado, pero Mario piensa que el poeta no tiene ninguna deuda con ellos. Años después Neruda y Matilde regresan y encuentran al pequeño hijo de Mario, mas no a su padre. Beatrice les cuenta que Mario fue víctima de la represión policial de una manifestación comunista en la que él iba a leer  un poema dedicado a Neruda.

Su estreno en 2010 en Los Ángeles contó con el siguiente elenco: Plácido Domingo interpretó a Pablo Neruda, Charles Castronovo a Mario Ruoppolo, Amanda Squitieri a Beatrice Russo, Nancy Fabiola Herrera a Donna Rosa, Vladimir Chernov a Giorgio (jefe y amigo de Mario) y la soprano chilena Cristina Gallardo-Domâs a Matilde Neruda. La dirección musical estuvo a cargo de Grant Gershon. En 2012 Sonny Classical lanzó la grabación en DVD de dicha producción.

P. S. El último 17 de julio Il Postino fue estrenado en el Teatro Real, bajo la dirección musical del premiado director español Pablo Heras-Casado. Aunque Domingo iba a interpretar a Neruda, debido a una embolia pulmonar fue reemplazado por Vicente Ombuena.

"Desnuda, desnuda, desnuda, eres tan simple como una de tus manos..."

«Desnuda, desnuda, desnuda, eres tan simple como una de tus manos…»

Il Postino de Catán 2

«Tu sonrisa se extiende sobre tu cuerpo como la noche en Cuba…»

Il Postino de Catán 4

«Compañeros, voy a leer un poema dedicado al gran poeta Pablo Neruda…»

Il Postino ist eine Oper auf Spanisch von Daniel Catán. Dieser mexikanische Komponist hat es geschafft, seine Opern erfolgreich in den USA aufzuführen: La hija de Rappaccini (1983, 1994 zum ersten Mal in den USA aufgeführt), Florencia en el Amazonas (1996, von der Grand Oper Houston beauftragt) und Salsipuedes (2004). Im April 2011 ist Catán gestorben, als er an der Oper Meet John Doe, basierend auf dem homonymen Film Frank Capras, gearbeitet hat.

Der Roman Ardiente paciencia des chilenischen Autor Antonio Skármeta und vor allem der italienische Film Il Postino, basierend auf dem genannten Roman, sind die Grundlage für die Oper Catáns. Auf einer kleinen italienischen Insel arbeitet Mario Ruoppolo als Briefträger für Pablo Neruda, der dort mit seiner Frau Matilde im Exil lebt.  Zwischen ihnen entstehe eine Freundschaft. Gleichzeitig lernt Mario Beatrice Russo kennen und damit sie sich in ihn verliebt, beginnt er Gedichte zu schreiben. Am Tag ihrer Hochzeit kommt die Nachricht an, dass Neruda nach Chile zurückkehren darf. Die Zeit vergeht und Beatrice und ihre Mutter Donna Rosa glauben, dass Neruda sie vergessen hat, aber Mario denkt, dass der Dichter nicht in ihrer Schuld steht. Nach Jahren kommen Neruda und Matilde zurück und treffen den kleinen Sohn Marios, aber sie finden seinen Vater nicht. Beatrice erzählt ihnen, dass Mario als Opfer der Polizeiunterdrückung auf einer Demonstration der Kommunisten gestorben ist, auf der er ein Neruda gewidmetes Gedicht lesen sollte.

Für die Premiere in Los Angeles 2010 gab es die folgende Besetzung: Plácido Domingo als Pablo  Neruda, Charles Castronovo als Mario Ruoppolo, Amanda Squitieri als Beatrice Russo, Nancy Fabiola Herrera als Donna Rosa, Vladimir Chernov als Giorgio (Chef und Freund von Mario) und die  chilenische Sopranistin Cristina Gallardo-Domâs als Matilde Neruda. Die musikalische Leitung hatte Grant Gershon. 2012 hat Sonny Classical eine Aufnahme dieser Produktion auf DVD herausgebracht.

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«Madama Butterfly» según Loriot

Fiorenza Cedolins como Madama Butterfly en la Arena di Verona

Fiorenza Cedolins como Madama Butterfly en la Arena di Verona

¿Cómo resume Loriot el argumento de la ópera japonesa de Puccini?

Die Oper Madama Butterfly berichtet von den Folgen einer Vergnügungsreise per Schiff.

Ein gewisser Pinkerton, US-Amerikaner auf Kreuzfahrt durch die Inseln Ostasiens, nutzt den Landgang in Nagasaki, um eine fünfzehnjährige Japanerin spaßeshalber zu heiraten. Er begibt sich unter Hinterlassung anderer Umstände in die Staaten zurück, heiratet dort eine höhere Tochter und ankert drei Jahre später wieder in Nagasaki, um sein japanisches Kind abzuholen. Die Kindsmutter entleibt sich.

Ich denke, so was ist bei jeder Pauschalreise im Fahrpreis inbegriffem, und man soll auch nicht an allem herumnörgeln, was der Unterhaltung dient[1].

La ópera Madama Butterfly trata de las consecuencias de un viaje de placer en barco.

Un tal Pinkerton, estadounidense, en un crucero por las islas de Asia Oriental, aprovecha un permiso de tierra en Nagasaki para casarse en broma con una japonesa de quince años. Él regresa a los Estados Unidos dejándola embarazada[2], se casa ahí con la hija de una familia acaudalada[3] y tres años después desembarca de nuevo en Nagasaki para recoger a su hijo japonés. Entonces, la madre del niño se suicida.

Yo pienso que esto es lo que está incluido en el billete de todo viaje bien organizado y que no se debe criticar todo lo que sirve de entretenimiento[4].

Puesta para el Met de Anthony Minghella (2009)

Más allá del comentario de Loriot, quiero llamar la atención sobre un «detalle» de la puesta de Zeffirelli: al anochecer del segundo acto aparece una mujer que se convierte en sufriente testigo de la muerte de Cio-Cio. Durante su agonía, más mujeres como ella aparecen. ¿Son las diosas de la muerte o las almas de otras mujeres que como Cio-Cio murieron por un amor no correspondido?

Puesta para la Arena di Verona de Franco Zeffirelli (2004)

Puesta para la Arena di Verona de Franco Zeffirelli (2004)


[1] Loriot, Kleiner Opernführer, Zürich, Diogenes, S. 40.

[2] Se emplea un eufemismo, cuya traducción más literal sería: “dejar en otras condiciones”.

[3] eine höhere Tochter sein: “ser una niña bien”.

[4] Comentario aparentemente cruel, pues ¿acaso en el teatro no nos entretenemos con este tipo de tragedias?

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«Don Carlo» según Loriot

Loriot

Bernhard Victor Christoph Carl von Bülow (1923-2011), más conocido por su seudónimo Loriot, fue un prolífico humorista alemán, como lo demuestran sus diferentes incursiones en la literatura, televisión, teatro y cine. Profesaba un especial afecto a la música clásica y la ópera, por lo que en 1982 dirigió das humoristische Festkonzert por los cien años de la Filarmónica de Berlín, con cuya historia estaba vinculado por medio de un pariente lejano, Hans von Bülow, uno de los primeros directores de la celebrada institución berlinesa.

Otra muestra de la afición de Loriot por la música es su  Kleiner Opernführer (Pequeña guía de la ópera). En ella describe,  con su peculiar estilo, los argumentos de las principales obras del repertorio operístico. A continuación su comentario sobre el Don Carlo de Giuseppe Verdi, ópera basada en el drama de Schiller Don Karlos, Infant von Spanien.

Giuseppe Verdi
Don Carlos[1]

„Sie hat mich nie geliebt“, klagt der König von Spanien. Er meint Elisabeth, die Verlobte seines Sohnes, der seinerseits eine Prinzessin Eboli nie geliebt hat, die ihn jedoch liebt, wohl weil der König sie nie geliebt hat.

Kommt hinzu, daß Elisabeth Frau Eboli nicht liebt und weder Don Carlos vom Vater noch der Vater vom Sohn geliebt wird. Nur Don Carlos’ besten Freund, einen Marquis Posa, hat vorübergehend jeder lieb, zumal er sein Leben läßt.

Die Geschichte ist eindrucksvoll, aber mit Musik eben doch wohl besser als ohne.

“Ella nunca me amó”, clama el Rey de España. Él se refiere a Isabel [de Valois], la prometida de su hijo, quien por su parte nunca amó a la Princesa de Éboli, la que sin embargo lo ama, probablemente porque el Rey nunca la amó.

A esto se añade que Isabel no quiere a la Princesa de Éboli, ni Carlos es querido por su padre, ni el padre por el hijo. Solo al mejor amigo de don Carlos, un Marqués de Posa, todos lo quieren, porque este muere rápidamente.

La historia es impresionante, pero con música mucho mejor que sin ella.

Rolando Villazón como Don Carlo

Rolando Villazón como Don Carlo


[1] Loriot, Kleiner Opernführer, Zürich, Diogenes, S. 66.

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Lo que dije en la defensa

Im Folgenden behandel ich die Kommunikationsprobleme bei den ersten Treffen von Spaniern und Indios oder “die Schwierigkeit der Sprache”, wie der Inka Garcilaso sie nannte. Diesen Teil habe ich während meines Forschungsaufenhalts an der Universität Münster geschrieben, unter der Leitung von Christoph Strosetzki. Ich kann behaupten, dass ich die hier analysierten Elemente (die Unkenntnis der Sprache des Anderen, die Wichtigkeit der Übersetzer, die Benutzung der non-verbalen Sprachen, die linguistischen Missverständnisse) am eigenen Leib erfahren habe. Aber im Unterschied zum wirklichen Leben trägt die göttliche Vorsehung in der Kommödie zur Verständigung der beiden Völker bei.  So wird in La aurora en Copacabana dieser Aspekt wie ein Prozess dargestellt, der sich allmählich vom  Nicht-Verstehen des Anderen bis zum Verständnis des Anderen entwickelt, nicht nur in  linguistischer Dimension, sondern vor allem auch in religiöser. Die Kommunikation wird durch das Wunder erreicht, weil dieses vermitteln kann, was die Sprache nicht kommunizieren kann.

Traducción:

A continuación trato el problema de la comunicación en los primeros encuentros entre españoles e indios o «la dificultad del lenguaje», como la llamó el Inca Garcilaso. Esta parte la escribí durante mi estancia de investigación en la Universidad de Münster, bajo la dirección de Christoph Strosetzki. Puedo afirmar que los elementos que aquí analizo (la ignorancia del lenguaje del otro, la importancia de los intérpretes, el uso de lenguajes no verbales, la incomprensión lingüística) los he vivido en carne propia. Pero, a diferencia de la vida real, en la comedia la Providencia lleva a la comprensión de ambos pueblos. Así, en La aurora en Copacabana, este aspecto es representado como un proceso, el cual se desarrolla gradualmente desde la incomprensión del otro hasta su comprensión, no solo en su dimensión lingüística, sino sobre todo en la religiosa. La comunicación se realiza por medio del milagro, pues este puede transmitir lo que el lenguaje no puede comunicar.

 

Für die Blondine, die mit ihren grau-blau-grünen Augen gerne liest.

Traducción:

Para la Rubia que lee con gusto con sus ojos gris-azul-verdes.

Casa

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Goethe y Vargas Llosa al otro lado

Auf der anderen Seite (conocida en España como Al otro lado) es una película de Fatih Akin. De ascendencia turca, la filmografía de este cineasta alemán, que incluye el drama y la comedia, se caracteriza por presentar personajes que se encuentran entre dos mundos: el mundo occidental (representado por Alemania, espacio en el que se desarrollan todas sus películas) y el mundo oriental (Turquía, siempre presente por la ascendencia turca de sus personajes y, en varias de ellas,como espacio del desenlace).

El protagonista de esta historia es Nejat Aksu (Baki Davrak), un joven profesor de filología alemana de origen turco, con el que Akin zarandeó algunos de los prejuicios que todavía existen en Alemania sobre los turcos:

De hecho, los turcos tienen un papel clave en Alemania en el campo cultural, político y científico. No se limitan a la prostitución. Para Yeter, la educación es tan importante que acepta prostituirse para pagar los estudios universitarios de su hija. Nejat se ve reflejado en esa sed de conocimiento.[1]

Y es en Nejat donde coinciden dos alusiones literarias. La primera se produce en el contexto de una de sus clases en la Universidad de Hamburgo. Nejat lee dos citas de Goethe para  explicar la oposición del poeta a las revoluciones, no por motivos éticos, sino debido al carácter incontrolable de las mismas:

¿Quién querría ver a una rosa florecer en lo profundo del invierno? Todo tiene su tiempo: las hojas, las yemas, las flores. Solo el necio pide este extemporáneo éxtasis. (Wer wollte schon eine Rose im tiefsten Winter blühen sehen? Alles hat doch seine Zeit: Blätter, Knospen, Blüten… Nur der Thor verlangt nach diesem unzeitgemäßen Rausch).

Yo estoy en contra de las revoluciones, porque en ellas se destruye lo viejo y acreditado, al mismo tiempo que se crea algo nuevo  y bueno. (Ich bin gegen Revolutionen, denn es geht genauso viel bewährtes Altes kaputt wie gutes Neues geschaffen wird) [2].

La lectura de Nejat se realiza ante una dormida Ayten Öztürk (Nurgül Yesilçay). Perteneciente a un movimiento de resistencia turco vinculado con la guerrilla, ella ha llegado a Hamburgo huyendo de la policía de su país.

La segunda alusión no es tan explícita y pasa fácilmente desapercibida. Cuando Nejat se muda a Estambul y compra la librería alemana que encuentra ahí, se produce un cambio en el aspecto de esta. Así, cuando entra por primera vez en ella, en el centro se ve un cartel con el retrato de Oscar Wilde:

Y después, cuando se convierte en su dueño, aparecen dos carteles distintos en el mismo lugar:

Vargas Llosa [3] e Isabel Allende reemplazan a Wilde. Y aunque es aparentemente un detalle insular (opuesto a las citas de Goethe, bien engarzadas en la trama principal), no creo que sea resultado de la pura casualidad. Akin habla un poco de español, está casado con la actriz alemano-mexicana Monique Obermüller (quien colabora en sus películas) y para esta cinta fue asesorado por el escritor mexicano Guillermo Arriaga (guionista de Amores perros, 21 grams yBabel) como se evidencia en la factura de historias entrecruzadas de la misma. Por ello, los carteles podrían ser un guiño hacia los gustos literarios, ya sea del propio Akin, ya sea de sus colaboradores.


[2] Estas citas pertenecerían realmente a Richard Friedenthal, biógrafo de Goethe.

[3] Al lado de su nombre aparece el de la editorial que publica sus obras en Alemania: «Suhrkamp».

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Hispanistentag 2013

El Hispanistentag es el Congreso de la Asociación de Hispanistas Alemanes (Deutscher Hispanistenverband), que se realiza bianualmente. El último tuvo lugar el año pasado en Passau y el próximo 2013 Münster será la sede de su décimo novena edición, cuyo tema central es: “La Hispanística tendiendo puentes”. A continuación una lista con diez de sus dieciséis secciones:

  1. Mitos en la calle. La resonancia del mito en la literatura de los conflictos políticos del siglo XX y XXI
  2. Roberto Bolaño: Narrando el comprender del mundo. Perspectivas interdisciplinarias
  3. El otro colonialismo. España y el norte de África entre imaginación e historia
  4. Palabra y número
  5. Historia e historias: representaciones de la historia en el cómic latinoamericano actual
  6. Entre conocimiento y experiencia: Nuevas formas documentales en España y Latinoamérica
  7. Procesos comunicativos en la prensa hispánica
  8. Ciudades latinoamericanas del siglo XXI: realidades y representaciones culturales y lingüísticas
  9. Nueva luz sobre la “Leyenda Negra”. Ambigüedades en vez de estereotipos
  10. Religiosos, ilustrados, científicos y literatos: El factor en la Ilustración española e hispanoamericana

La convocatoria para participar en sus secciones está abierta hasta el 15 de octubre del 2012. En la página del congreso se pueden encontrar mayores detalles sobre sus temas, así como las direcciones de contacto de sus organizadores.

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Werther en Frankfurt: pasado y presente (2)

En la actualidad, Werther es una ópera viva. Aunque cada puesta, en las distintas casas de ópera que la han acogido este año, presenta sus méritos particulares, resulta imposible no reconocer, entre todas ellas, la de la Ópera de Viena. Este año han sido dos, a mi parecer, las bases para dicho prestigio: la puesta de Andrei Serban y la maravillosa interpretación de Elina Garança, la Charlotte de referencia desde el estreno de esta producción a inicios de 2005. En este sentido, fue una pena la repentina cancelación de Rolando Villazón debido a motivos de salud, ya que el tenor mexicano, al igual que Garança, es un intérprete completo musical y actoralmente. Su reemplazo, el correcto pero desapasionado Ramón Vargas, y la dirección musical de Bertrand de Billy, quien no supo aprovechar plenamente el inmenso potencial de la orquesta, fueron los puntos bajos del Werther vienés de este año. Pero, además de esta producción, otra también ha brillado por singulares méritos en territorios, al igual que el vienés, emparentados con los orígenes del Werther operístico: me refiero a la producción de la Ópera de Frankfurt. El Werther de esta casa de ópera, en la temporada del presente año, estuvo bajo la dirección de Constantinos Carydis, quien recientemente había dirigido el Don Giovanni con el que la Ópera de Viena celebró su 140 aniversario. Asimismo, el joven maestro griego estuvo acompañado por un conjunto de talentosos intérpretes que dieron como resultado un espectáculo a la altura de las más prestigiosas casas de ópera del mundo. Destacaron, sobre todo, dos jóvenes figuras: el tenor Stefano Secco (quien ya había interpretado este protagónico al lado de Elina Garança en el Festival de Baden-Baden, reemplazando también a Villazón) y la soprano Britta Stallmeister (en el papel de Sophie, hermana de Charlotte).

La mencionada casa encargó su producción a Willy Decker, renombrado director de escena alemán, la cual fue estrenada a finales de 2005 y se mantiene todavía en su programación. Los trabajos de Decker, autor de puestas como el Don Carlo de la Ópera de Ámsterdam (2004) y La traviata del Festival de Salzburgo (2005), se distinguen por un minimalismo inteligente: los elementos escenográficos son mínimos, pero todos funcionales y revestidos de significados. En el caso del Werther francfortés, el colonés construyó un espacio dramático dividido en dos secciones, separadas mediante un muro corredizo: la casa (el espacio de la familia de Charlotte) y el desierto (el espacio de Werther). Desde el inicio, Werther es un espíritu sufriente que en el solitario desierto de su vida contempla la idea del suicidio. Su llegada a la casa de Charlotte (Alice Coote), le hace abandonar sus tanáticos pensamientos y conocer una fugaz felicidad. En este punto, debe destacarse el acierto de Decker al presentarnos, mediante la reunión de Charlotte, Sophie y el resto de sus hermanos, un cuadro familiar que recuerda la ilustración de Daniel Chodowiecki del momento en el que Werther conoce a Charlotte, rodeada de todos sus hermanos, y cuya relevancia no termina aquí. También es acertada la inclusión de un retrato de la madre de Charlotte, colgado en la pared, que enfatiza la importancia que tiene este personaje sobre el devenir trágico de los protagonistas, puesto que ella determinó el casamiento de su hija con Albert (Michael Nagy). En este sentido, Charlotte es obligada a llenar el vacío que su muerte dejó: primero, como madre para sus hermanos y, después, como esposa de Albert, unión mediante la cual se busca reconstruir el cuadro familiar.

Decker, que no se olvida de los valores que había asignado a los espacios, ubica las bodas de Charlotte y Albert no en el espacio de la casa, sino en el desierto. Lo mismo sucede con la escena en la que los recién casados se sientan a la mesa, en la cual el exagerado largo de la misma los separa. Así, el matrimonio, en todo momento, aparece marcado por signos que exteriorizan la tragedia latente de esta unión forzada. También se subraya la monotonía de la vida familiar mediante la monocromía del vestuario, que convierte a Charlotte y sus hermanos, incluida Sophie (infantilizada por su vestido), en un coro uniforme y carente de individualidad.

En la novela, la correspondencia de los sentimientos de Werther por parte de Charlotte es ambigua. En la ópera, es claro que Charlotte ama a Werther. Por ello, hacia el final intenta evitar su suicidio, pero llega tarde: lo encuentra agonizante. Empero, le devuelve el beso que él le había dado en su casa y que había desencadenado su separación. En la puesta de Decker, al igual que en la de Serban, estas acciones finales ocurren bajo la mirada de Albert. Asimismo, Charlotte es consciente de ello en ambas propuestas. Sin embargo, mientras que en la de Serban no se produce una confrontación entre los dos esposos, más allá de la de sus miradas; en la de Decker sí: con la pistola en sus manos, Charlotte se enfrenta a Albert ante cuyo seguro avance ella acaba retrocediendo y perdiendo el arma. A pesar de ello, corre a los brazos del desfalleciente Werther. Cuando este muere, reaparece aquel cuadro familiar del que inicialmente ella había sido el centro. Sus hermanos la reclaman con los cantos de Navidad, pero ella, ante dicha imagen, se desploma junto a su amante. Así, Decker convierte a Charlotte en víctima, junto con Werther, de las normas opresivas de la burguesía. Ambos participan del papel del chivo expiatorio, que se sacrifica con el fin de mantener el orden familiar de dicha clase social. Sin embargo, este orden, con la muerte de Charlotte, es también afectado. De este modo, la tragedia de los amantes, en la visión del colonés, deja una clara huella en su entorno, pues conlleva el desbaratamiento del régimen familiar. La muerte de la madre de Charlotte obedeció a las leyes de la naturaleza, que no contradicen las normas sociales; la de su hija, a una decisión individual, que encuentra en la muerte la única forma de liberarse de la cárcel en la que se ha convertido la familia debido a las normas sociales. Los cantos de los niños «anuncian», entonces, la salvación de los amantes: para ellos, la muerte es la única redención.

Publicado en Mnemósine, 3, 2009, pp. 3-4.

Nota: El año pasado (2011), el Werther francfortés llegó al Teatro Real. A dicha temporada corresponden las fotos.

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